Tratamiento Grafico

Thursday, November 23, 2006



lugar Av. La Paz frente al cementerio general

hora 10:46am

1/800s

f:4.5

focal lenght 7.9mm


lugar av. la paz frente al cementerio general
hora 10:37 am
1/500s
f:3.5
focal lenght 9.8mm


lugar Av La Paz
Hora 09:48 AM
1/400s

F 3.5

focal lenght 7.9mm

Tuesday, November 21, 2006


para este trabajo me base en la fotografa ana maria mcarthy ella ccon sus desnudo transmite textura a traves de las sombras generadas por la iluminacion y algunos obejetos que le coloca sobre esta iluminacion

Tuesday, November 07, 2006


August Sander, nace en una zona minera cerca de Colonia (Alemania) en 1876.
Su padre es carpintero en la mina y él siendo muy joven comienza a trabajar también en la mina.
Un día le eligen, por azar, para que acompañe como guía a un fotógrafo que realiza fotografías del paisaje minero. El fotógrafo le permite observar el mundo a través del objetivo de su cámara.
A partir de ese momento decide que quiere estudiar fotografía.

Se hace ayudante de diferentes fotógrafos profesionales en Alemania y en Austria. Hasta que a principios del siglo XX se convierte en fotógrafo profesional, abriendo un estudio fotográfico primero en Linz (Austria) y más tarde, en 1910, en Colonia.

Es en esta época cuando decide salir de su estudio y realizar un trabajo de campo:
Elige una zona geográfica limitada y conocida suficientemente por él, Westerwald, donde pasó su infancia, dedicándose a fotografiar de una forma sistemática a los campesinos de la región.

Después de la Primera Guerra Mundial, su actividad profesional se orienta a la toma de fotografías para el carnet de identidad.
Se interesa por el arte moderno y adquiere consciencia de lo que representa el proyecto iniciado en Westerwald.

A partir de ese momento amplía su visión, retratando personas de todas las clases sociales y ocupaciones. Alemania entera va pasando por delante de su objetivo.
Su planteamiento es retratar a cada individuo como tal, al tiempo que lo sitúa dentro de la sociedad de su tiempo.
Sander no indica nunca el nombre de la persona fotografiada, pero sí señala su oficio.
Con esta forma de trabajar da un carácter universal a su obra.

Va creando un inventario de personajes de su época: la República de Weimar.
En 1929, publica un libro con unas sesenta fotografías titulado Antlizt der Zeit (El rostro de nuestro tiempo).

En los años 30 y con la ascensión de los nazis al poder, su obra es objeto de persecución. Así, el libro citado es retirado de las librerías y su archivo confiscado.
Sander muestra a sus compatriotas (incluídos los nazis) tal como son, no glorifica la raza aria.
Con ello no sólamente se opone a la propaganda totalitaria, sino que en la práctica la denuncia.
Durante esa época se dedica a realizar paisajes.

Terminada la Segunda Guerra Mundial, emprende la labor de reconstruir su archivo.
Produciéndose el reconocimiento tanto nacional como internacional de su trabajo.
Muere en 1964.


George Platt Lynes

George Platt Lynes nació el 15 de abril de 1907, en East Orange, New Jersey, siendo sus padres Joseph Russell, pastor de la iglesia protestante, y Adelaide Sparkman Lynes.

Lynes pasó su niñez en New Jersey, pero asistió a la escuela Berkshire, en Massachhusetts en su adolescencia. Durante esa etapa, Lynes demostró un gran interés en hacerse escritor pero no tuvo demasiado éxito en el entorno escolar.

En 1925 viajo a Francia para lograr una mejor preparación para su ingreso a la Universidad. Estando en París entró en contacto con Gertrude Stein y su círculos de amigos, incluyendo al escritor Glenway Wescott y al editor Monroe Wheeler.

Wescott era un antiguo amante de Wheller, y vivieron como un trío hasta 1941 en una apartamento de Manhattan.

En 1926, después de regresar a los Estados Unidos, se matriculó en Yale pero no alcanzó a terminar el primer año.

Lynes regresó a los Estados Unidos intentando sacar adelante una carrera literaria. Tuvo escarceos con el mundo editorial e incluso abrió una librería en Englewood, New Jersey en 1927. Ese mismo año Lynes recibió una ligera formación con un fotógrafo profesional de la ciudad. A pesar de no estar demasiado interesado en la fotografía como carrera, Lynes comenzó a realizar retratos de sus amigos y familia y a exhibir sus obras en la librería.

En 1928 viajo nuevamente a Francia, esta vez acompañado por Wescott y Wheeler. El los años siguientes recorrió Europa, afinando sus capacidades como fotógrafo. Desarrolló amistad con numerosos artistas y mecenas de la época, incluyendo a Pavel Tchelitchew, Jean Cocteau, Isidore Duncan y su marido, Sergei Esenin, y al poderoso e influyente critico Julien Levy.

Cuando regresó a Estados Unidos, abrió en 1932 su propio estudio artístico. Ese mismo año Levy exhibió los trabajos de Lynes junto los de Walter Evans en su galería de New York.

Los esfuerzos promocionales de Levy, junto con el estilo innovador y maestro de la iluminación, convirtieron a Lynes en uno de los fotógrafos mas solicitado del país.

En 1934 le encargaron regularmente trabajos para las exclusivas revistas Harper's Bazaar, Town & Country, y Vogue, y en 1935 fue contratado para documentar los principales bailarines y producciones de las compañías de Lincoln Kirstein y el nuevo ballet de George Balanchine.

En los finales del 1930 y los principios de 1940, Lynes continuó haciendo fotografías vinculadas a la moda, teniendo entre sus principales clientes a Bergdorf Goodman y Saks Fifth Avenue, Lynes comenzó una serie de fotografías basadas en caracteres e historias de la mitología griega.

En 1941, Lynes tuvo una exposición en solitario en Nueva York en la prestigiosa galería de Pierre Matisse, pero antes de 1945 su éxito, e interés, por el retrato y los trabajos de moda empezaron a desvanecerse - al mismo tiempo que su relación con Westcott y Wheeler.

A mediados de los 1940, Lynes se enamoró de George Tichenor su ayudante del estudio, que murió durante la guerra. C0mo consuelo o buscando atemperar su dolor Lynes tuvo una breve aventura amorosa con el hermano menor de Tichenor, que no llego a cuajar como pareja.

En 1946 se instaló en Hollywood donde asumió el cargo de Jefe de Fotografía de los estudios Vogue. Fotografió entonces las principales figuras de la industria cinematográfica, incluyendo a Katherine Hepburn, Rosalind Russell, Gloria Swanson y Orson Welles, así como figuras del ambiente artístico, como Aldous Huxley, Igor Stravinsky o Thomas Mann.

Después de dos años, Lynes tuvo una quiebra financiera, y en 1948 sus amigos le apoyaron económicamente para que regresase a New York.

Lynes retornó a una ciudad de postguerra , donde nuevos fotógrafos como Richard Avedon e Irving Penn habian ocupado su sitio en el mundo de la moda. Este hecho, unido a el creciente desinterés hacia el trabajo comercial, hizo que jamás volviese a lograr el éxito de su época pasada.

Lynes dedicó la mayor parte de su tiempo a plasmar imágenes homoeroticas, y comenzó a trabajar con el Dr. Alfred Kinsey en su Instituto de Bloomington, Indiana. Los problemas financieros persistían, y por segunda vez se vio forzado a declararse en bancarrota.

En mayo de 1955 le diagnosticaron un cáncer terminal en los pulmones. Se encerró en su estudio y destruyo innumerables copias y negativos de sus fotografía.

Tras un viaje póstumo a Europa, Lyner regresó a New York, donde falleció el 6 de diciembre de 1955.



Georgii Petrussov

En 1924, se instaló en Moscú, convirtiendo lo que hasta entonces sólo había sido un hobby, la fotografía, en su profesión, trabajando como reportero para varias revistas.

Petrussov se especializó en temas industriales. De 1928 a 1930 trabajó para una fábrica metalúrgica de Magnitogorsk, haciendo un reportaje sobre el nacimiento de esa industria.

En 1931, pasó a formar parte del grupo “Octubre” colaborando con los fotógrafos de vanguardia.

Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como corresponsal para la oficina soviética de informaciones. En 1945, entró en Berlín con las primeras tropas soviéticas pudiendo tomar fotografías de la ocupación de la ciudad.

La ciudad de Berlín, le brindó una exposición individual en 1967.


Gordon Parks

El fotógrafo y director de cine Gordon Parks, primer cineasta negro que tuvo éxito en Hollywood y creador del género 'blaxploitation', murió el 7 de marzo a los 93 años en Nueva York.

Parks trabajó entre 1948 y 1968 como fotógrafo de la revista 'Life', en la que retrató los efectos de la pobreza en Estados Unidos e intentó capturar el espíritu del movimiento por los derechos civiles. Además, escribió relatos de ficción y composiciones musicales.

Con su detective John 'Shaft', Parks creó en 1971 el primer héroe afroamericano. Interpretado por Richard Roundtree, Shaft es un detective privado afroamericano con particulares métodos que busca a la hija de un gánster. Además del éxito comercial y de sus varias secuelas televisivas, el filme obtuvo el Oscar a la mejor banda sonora, compuesta por Isaac Hayes.

Nacido el 30 de noviembre de 1912 en Fort Scott (Kansas, EEUU), Parks se quedó huérfano a los 15 años y desde entonces no tuvo hogar. Trabajó en todo tipo de empleos, entre ellos como pianista en un burdel de Minnesota, hasta volcarse en la fotografía a finales de la década de los 30.

Realizó varios trabajos para el Gobierno como fotógrafo y fue corresponsal de la Oficina de Información sobre el conflicto de EEUU durante la Segunda Guerra Mundial. Finalizada la contienda, trabajó como fotógrafo de moda para la revista 'Vogue'.

A finales de los 40 cuando entró a formar parte de la revista 'Life', convirtiéndose en el primer fotógrafo negro en plantilla. Permaneció en la publicación hasta 1968.

Fue en esta publicación donde retrató las consecuencias de la intolerancia y del crimen. Lo mismo trataba con gánsters que con policías, y se ganó la confianza de Malcolm X, líder del grupo Panteras Negras, y de ciudadanos afroamericanos de a pie de grandes y pequeñas ciudades, así como de ambientes rurales.

Su fotografía de una trabajadora de la limpieza negra, frente a una enorme bandera de EEUU, con la mopa en una mano, la escoba en otra y cara de resignación se convirtió en una de sus mejores instantáneas.

"Primero sufrí la discriminación cuando era un niño, y la pobreza hasta cierto punto, así como el fanatismo en mi ciudad natal en Kansas", explicaba Parks en una entrevista ofrecida en 2000. "Por eso pienso que lo natural es que yo use mi cámara para dar voz a aquéllos que no pueden hablar por sí mismos".

Parks se pasó al cine a finales de los años 60, y fue en 1971 cuando dirigiría 'Shaft', una de las primeras obras en explorar la explotación de los negros y que se dirigía al público afroamericano, exagerando aspectos como la sexualidad, la violencia y la música funk y soul.

Además de 'Shaft' (comercializada en España como 'Las noches rojas de Harlem'), entre sus obras destaca 'The Learning Tree', adaptada de una novela autobiográfica que Parks escribió durante su adolescencia, sobre los miedos, el racismo y el primer amor de un joven negro. Fue con esta obra con la que lograba el 'título' de primer negro que escribía y dirigía para un gran estudio, la Warner Bross.

En 1989, la película fue seleccionada junto a otras 24 para ser preservada por su relevancia histórica y cultural en el Registro Nacional de Cine de EEUU.

Un año después le siguió la secuela 'Shaft's Big Score!'. En 2000, el director John Singleton rindió homenaje al personaje con 'Shaft Returns' con Samuel L. Jackson.

Durante años escribió además varios libros de poesía y ficción, e incluso creó un ballet sobre la vida del líder de la lucha por los derechos civiles Martin Luther King, titulado 'Martin'.


Helmut Newton

De origen judío, nace en el Berlin en 1920. Justo cuando comienza la persecución contra los judíos, abandona Alemania hacia Singapur, donde trabajó como fotógrafo en un diario. Es ahí donde comienza su carrera fotográfica, aunque como tantos otros artistas no gozaba del apoyo de su padre.

De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser judío, estuvo un periodo en un campo de internamiento. Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial.

Después de la guerra, pone su propio estudio de fotografía y continua ese punto y aparte que sufrió su carrera. Es por esa época cuando conoce a la más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marcha a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viaja a París para trabajar con revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijará su residencia habitual. Allí su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de más éxito. Los últimos años de Newton están a caballo entre Nueva York y Montecarlo.

El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra allí donde se observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia le han hecho portada de las más prestigiosas revistas. Son famosas sus fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos. Realmente, Newton ha sido un enamorado de la belleza, que casi obsesivamente, sabía captar como nadie con su cámara.

El 23 de enero de 2004 Helmut Newton moría en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado fotográfico nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente en castellano


Arnold Newman

El neoyorquino Arnold Newman fue el creador del Retrato Medioambiental, ya que utiliza angulares para retratar al sujeto en su entorno, en su lugar de trabajo, lo que nos acerca a la personalidad del protagonista.

Retrato de Woody Allen - Arnold Newman 1996 -

El decía… “Cuando hago un retrato, no tomo una fotografía. La construyo, buscando todos aquellos elementos gráficos que mejor expresen el mas típico denominador común del sujeto.”


Duane Michals

Duane Michals no se cuenta entre esos artistas que recurren a la fotografía con el fin de reproducir el mundo real. Por el contrario, siempre trató de rebasar las fronteras y mezclar lo imaginario con la realidad. Michals afirmó rotundamente: "Yo creo en lo invisible. No creo en lo visible (...) para mi, la realidad está en la intuición, en la fantasía, y en esa pequeña voz en mi cabeza que me dice "no es acaso esto extraordinario?"

Michals estudió en la Universidad de Denver de 1951 a 1953 y frecuentó la Parson School of Design, de New York.

Tomó sus primeras fotografías durante un viaje a Rusia, en 1958.

A fines de los 50 se instaló en NY como fotógrafo independiente y trabajó para revistas de moda como Vogue además de colaborar para NY Times y se especializó en el retrato.

Además de sus retratos, se conoce sobre todo sus puestas en escena de secuencias fotográficas en las que Michals intenta superar las limitaciones de la imagen unica "Yo estaba insatisfecho con la imagen unica, porque no podía imprimirle una diversidad de mensajes. En una secuencia, la suma de las imagenes sugiere mucho mas que aquello que podría decir una sola"


Will McBride

(born 1931, St. Louis, Missouri) is a famous photographer in reportage, art photography and book illustration. He is also known as a painter and sculptor.

He grew up in Chicago, attended the University of Vermont, then the Art Institute of Chicago, and finally graduated from Syracuse University in 1953. He served in the U.S. Army from 1953 to 1955.

He has lived in Germany since 1955. In 2004 McBride received the Dr. Erich Salomon Prize, which is bestowed by the German Photographic Association (Deutsche Gesellschaft für Photographie) and is the equivalent of a Nobel Prize for photography.

His work has been published in Twen, among other European magazines. The bulk of his photography work is not often seen in the USA, due to its frank openness about young male nudity and his past experiences with censorship and censure around his photography for his 1975 book Show Me! (German title Zeig Mal!) — which was banned in the USA in the 1980s.

Solo exhibitions since 2000 have included: the Galleria d'Arte Moderna, Bologna; Dany Keller Galerie, Munich; and the Galerie argus fotokunst, Berlin.


Charlotte March


Robert Mapplethorpe


Poco a poco fue mejorando su técnica y ampliando su repertorio a base de hacer retratos en sus círculos más cercanos, los cuales los formaban artistas, compositores, estrellas del cine porno y la mayoría de la escena underground de Brooklyn. Entre los retratos que realizó podemos encontrarnos con personajes de fama mundial como el excéntrico Andy Warhol, el escritor William Burroughs (El almuerzo Desnudo), el poeta Jim Carroll (al que retrató durante una relación sexual gay) o al cantante Mick Jagger.

El escándalo siempre rodeó su obra y sus exposiciones estaban llenas de polémica y prohibiciones. Y es que en muchas ocasiones, la temática de sus fotos, sobrepasaba con creces lo "socialmente aceptado": desnudos, relaciones sadomasoquistas, genitales erectos y parejas homosexuales. Pero su intención no era escandalizar, el trataba de encontrar lo inesperado y de capturar imágenes que no se hubieran visto antes. En una de sus declaraciones dijo: "Me encontraba en el lugar adecuado para sacar esas fotos y sentí la obligación de hacerlas". En cualquier caso su trabajo no termina aquí, ya que también tiene series espléndidas dedicadas a los retratos de celebridades o la belleza de los flores.

Sabemos que también se inició en el mundo del cine con una serie de cortometrajes, pero la crudeza de las imágenes y el escándalo le impidieron hacer carrera en este sector. Sus películas rara vez se han visto y son realmente difíciles se conseguir. Algunos de los títulos son : "Robert Anillándose El Pezón" o "Patti Cambiándose La Compresa".

Murió de SIDA el 9 de marzo de 1989. Antes de morir fundó The Robert Mapplethorpe Fundation, Inc, una fundación que por un lado financia investigaciones médicas sobre el SIDA y por otro programas institucionales sobre fotografía.


Man Ray

Empieza a pintar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica.

En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.

En 1914 se casa con Adon Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino.

En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).

Dos años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.

Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía.

Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de Mar (1927).

Hace objetos dadaístas como Object to be Destroyed de 1923, un metrónomo con la fotografía de un ojo agarrada a la aguja.

Cuando el surrealismo se separa del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).

En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayógrafos.

Tumba de Man Ray
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Tumba de Man Ray

En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1940, escapando de la ocupación nazi de París, se instala en Hollywood y en Nueva York, regresando a Francia en el año 1951. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor.

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.

Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. "La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte", dirá.

En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica (1973).

Muere el 18 de noviembre de 1976, en París.

Monday, November 06, 2006


Robert Lebeck


Dorotea Lange

Fotógrafa del pueblo.
Así constaba en su tarjeta de visita.

Aunque se inició estudiando en la CLARENCE WHITE SCHOOL, de marcado carácter pictoralista y posteriormente abrió un estudio en San Francisco, su salida a la calle como reportera marcó definitivamente las que serían las señas de identidad de su trabajo.

Su obra más conocida se desarrolla en los años 30, años de la depresión.
Una profunda crisis asola el país y miles de campesinos no tuvieron mas remedio que abandonar sus casas en busca de una tierra prometida.

Al igual que Walker Evans, con quien comparte esa mirada concisa y digna, recorre el país trabajando para la Farm Security Administration documentando la precaria situación en la que viven los aparceros.
Se convierte así en testigo de esta época, pero a diferencia de Evans, sus personajes ganan en humanidad. Se acerca a ellos de manera casi amorosa, insuflándoles un cierto halo de heroísmo.
Su obra es testimonio de la imagen más trágica de América, testimonio por otro lado lleno de compromiso, convencida de que sus imágenes podían ayudar a cambiar las cosas.

Su mirada huye de la sensiblería y de la dramatización, surge de un profundo sentimiento humano y de una conciencia social unida a una lucha incansable por la igualdad de la mujer.


Herlinde Koelbl


Yousuf Karsh

nació en Armenia en 1908 y con 16 años emigró a Canadá, donde se puso bajo la tutela de su tío, el prestigioso fotógrafo George Nakash. Fué así como descubrió su entusiasmo por la fotografía.

George Nakash ofreció a su sobrino la posibilidad de trasladarse a Boston para asistir a las clases del retratista John H. Garo, al cual Karsh debe, además de su sólida formación, su amor por la pintura y por el arte en general.

Más tarde, se instaló en Ottawa, donde abrió su propio estudio de retratos.

Muy pronto ganó una excelente reputación como retratista y contaba entre su clientela a eminentes personajes de la política, la ciencia y el arte.

En 1941 logró su irrupción en el ámbito internacional, gracias al famoso retrato de Winston Churchill.

El trabajo de Karsh no se limitaba al ámbito de su taller: el fotógrafo prefería captar a sus modelos en su propio ambiente familiar.
General Jonh Pershing por Yosuf Karsh 1945

Karsh se caracterizó por buscar lo que llamó la grandeza del alma del fotografiado.

En 2002 con 94 años nos abandonó dejándonos su estupenda obra: 370.000 negativos, de los cuales 17.000 correspondían a retratos.


Walde Huth

Es una fotógrafa alemana, su primera vocación fue la de actriz, estudio en la Escuela de Artes Aplicadas de Weimar y allí encontró su interés por la fotografía.
A finales de los 40 se ganaba la vida como retratista y en 1953 en Estugart abre un estudio de fotografía de moda y publicidad. Empezó trabajando como reportera para el diario de Frankfurt y su vocación por la fotografía la traslada al mundo de la moda


George Hoyningen-Huene

Born in Saint Petersburg, Russia, on September 4, 1900, Hoyningen-Huene was the only son of Baron Barthold Theodorevitch von Hoyningen-Huene (1859-1942), a Baltic nobleman and military officer, and his wife, Emily Anne "Nan" Lothrop (1860-1927), a daughter of George Van Ness Lothrop, an American minister to Russia. (The couple was married in Detroit, Michigan, in 1888.) He had two sisters. Helen (died 1976) became a fashion designer in France and the United States, using the name Helen de Huene. Elizabeth (1891-1973), also known as Betty, also became a fashion designer (using the name Mme. Yteb in the 1920s and 1930s) and married, first, Baron Wrangel, and, second, Lt. Col. Charles Norman Buzzard, a British Army officer.

During the Russian Revolution, the Hoyningen-Huenes fled to first London, and later Paris. By 1925 George had already worked his way up to chief of photography of the French Vogue. In 1931 he met Horst, the future photographer, who became his lover and frequent model, and traveled to England with him that winter. While there, they visited photographer Cecil Beaton, who was working for the British edition of Vogue. In 1931, Horst began his association with Vogue, publishing his first photograph in the French edition of Vogue in November of that year.

[edit] United States

In 1935 Hoyningen-Huene moved to New York City where he did most of his work for Harper's Bazaar. He published two art books on Greece and Egypt before relocating to Hollywood, where he earned his wedge by shooting glamorous portraits for the film industry.

Hoyningen-Huene worked before anything resembling contemporay flash photography was known. Working in huge studios and with whatever lighting worked best. There is something about the texture of his black and whites that one seldom finds in contemporary work. Beyond fashion, he was a master portraitist as well from Hollywood stars to other celebrities.

He also worked in Hollywood in various capacities in the film industry, working closely with George Cukor, notably as special visual and color consultant for the 1954 Judy Garland movie A Star Is Born. He served a similar role for the 1957 film Les Girls, which starred Kay Kendall and Mitzi Gaynor and the Sophia Loren film Heller in Pink Tights.

He died at 68 years of age in Los Angeles.

Hoyningen-Huene is a relative of the 1970s porn star Peter Berlin.


Frank Horvat

Como él mismo dice, su ilusión en la fotografía es detener el tiempo.
Diría que es una ilusión cumplida a medias.
El tiempo sigue y no se detendrá nunca.
Pero algunos de sus momentos han quedado encerrados en las imágenes de Frank Horvat.

Se toman millones y millones de fotografías en el mundo, cada vez con una tecnología más puntera, y todas con la ilusión de detener el instante.
Ahora bien, no todas pueden ser contempladas como obras maestras.
Las de Frank sí. Y por eso están aquí.


Biografía


Frank Horvat nació en 1928 en Abbazia cuando esta ciudad era italiana ( ahora es croata ). Sus padres eran médicos.

Inició su carrera como foto-reportero realizando diversos viajes por todo el mundo.
Alcanzó su mayor fama en los años 50 y 60 por sus colaboraciones, con fotografía de moda, en las más importantes revistas de la época, como Vogue, Elle o Stern.

Trabajó en la prestigiosa agencia Magnum y sus fotografías figuran hoy día, en colecciones de los más importantes museos del mundo.

Lejos de centrarse en un único tipo de fotografía, ha cultivado diversos géneros, entre los que se pueden citar la fotografía documental, moda, retratos, naturaleza, urbana.
Desde 1989 comienza a investigar con la fotografía digital.

Ha realizado numerosísimas exposiciones por todo el mundo y es, asimismo, autor de una veintena de libros sobre los más variados temas, entre los que figura uno de reciente publicación, titulado "Homenatge a Cataluña".


Horst P. Horst

Se llamaba en realidad Horst Paul Bohrmann, pero transformó tan germánico nombre por el de Horst P. Horst, en 1943, al adoptar la nacionalidad norteamericana, para no ser confundido con el nazi Martin Bormann.

Por lo demás, sólo se parecían en el apellido. Horst era un estilista de la cámara, un mago de la luz, un vividor, un retratista de mujeres esplendorosas, ricas y famosas, de intelectuales excéntricos. Desde Marlene Dietrich a Andy Warhol, pasando por Jean Cocteau. Fue el pionero y creador de la fotografía de moda. Murió a los 93 años, tras una vida de luz y lujo.

Nacido el 14 de agosto de 1906 en Weimar (Alemania), en el seno de una familia de clase media alta, cursa estudios de Arquitectura, siendo alumno de Le Corbusier. Pero pronto los abandona para dedicarse a la fotografía. Comienza a trabajar en el París de finales de los años 20 y se especializa en fotos de estudio. La ciudad de la luz es, entonces, la Babilonia de entreguerras, donde se dan cita artistas, escritores, aristócratas que huyen del naufragio de los imperios centroeuropeos y ruso, gentes del cine y del teatro. Es el París de Gertrude Stein, Dalí, Luchino Visconti y Greta Garbo-Ninotchka. Horst los trata a todos ellos y consigue que posen para él. Gracias a su mecenas y mentor, Hoyningen-Huene, conocido como el barón de Vogue, comienza a trabajar para la célebre revista y se convierte en el fotógrafo de la moda.

Rostros de sofisticadas mujeres, talles estilizados, sombreros con el ala caída sobre los ojos, serían algunos de los motivos más frecuentes y mejor retratados por la cámara de Horst.
Continuaría su carrera en Estados Unidos, siempre al servicio de Vogue pero colaborando, además, en otras publicaciones como House & Garden. Trabajó también para Calvin Klein. Su cámara, mundana y seductora, se recreó en las figuras de Coco Chanel, Harry S. Truman, Robert Mapplethorpe, Isabella Rossellini, Jackie Kennedy y, por encima de todos ellas, con la de Marlene Dietrich, que él convirtió, junto con el director de cine Josef von Sternberg, en icono de toda una época divertida y decadente.

Horst P. Horst, fotógrafo, nació el 14 de agosto de 1906 en Weimar (Alemania) y falleció en Palm Beach (EEUU) el 18 de noviembre de 1999.



Fritz Henle

Fritz Henle ( 1909 – 1993) nació en Dortmund, Alemania. Como autodidacta en el campo de la fotografía desde temprana edad, Henle montó un cuarto oscuro en el sótano de la casa de sus padres en Dortmund. Gracias a Hanna Seewald asistió a la escuela de fotografía Bayersche Staatlchranstalt fùr Lichtbildwesen de 1930-31. Su decision se basó en un portafolio de obra, que el artista le mostró al director. Aprentemente Fritz estaba familiarizado con el cuarto oscuro y tenía una gran habilidad.

Las fotografías de Fritz Henle no requieren de palabras. Hablan el lenguaje del pueblo mexicano. Y cuentan la historia de la pobreza y la bonanza, de la resignación y la rebelión, con todas las luces y sombras que las revelan, y que no pueden expresarse sólo con palabras. El efecto del pasado en la forma que toma el presente es evidente. La fusión de la vieja cultura española y el individualismo con el colectivo indígena —aún más antiguo— y con las técnicas científicas modernas del siglo XXI continúa, y las etapas progresivas de dicha fusión pueden aún percibirse.


Gottfried Helnwein

Gottfried Helnwein (8 de octubre de 1948, Viena) pintor, fotógrafo y artista de performance austriaco-irlandés maestro del reconocimiento sorpresivo [1].

Helnwein estudió en la Universidad de Artes Plásticas en Viena (Akademie der Bildenden Kunste, Wien). Le fue otorgado el premio de Master Class (Meisterschulpreis) en la Universidad de Artes Plásticas en Viena, el premio Kardinal-Konig y el premio Theodor-Korner.

Sus primeros trabajos consistían principalmente de acuarelas hiperrealistas de niños heridos, así como performances —a menudo con niños— en lugares públicos. Helnwein es un artista conceptual, interesado principalmente en la ansiedad psicológica y sociológica, así como en temas históricos y políticos. Como resultado de ésto, su trabajo suele ser considerado provocativo y controversial. Helnwein ha trabajado como pintor, dibujante, muralista, fotógrafo, escultor y artista de performance, utilizando una gran variedad de técnicas y medios. También es conocido por su diseño de vestuario y escenografía teatral, tanto de ballet como de ópera. Entre ellas cabe mencionar Staatsoper Hamburg, Volksbuhne Berlin y la Ópera de los Ángeles.


Philippe Halsman

Antes de dedicarse a la fotografía estudió electrónica en Dresde. Más tarde, trabajó como retratista y fotógrafo de moda independiente en París, donde se instaló en 1928.
En 1940 emigró a USA donde realizó numerosos trabajos para LIFE.
En 1949, la publicación de sus imágenes de saltos, una serie de fotos de grandes personalidades que saltaban por el aire delante de su cámara, tuvo un gran éxito. En esa serie, Halsman manifiesta su sentido del humor a la vez ingenioso y bromista, que impregnaría toda su producción fotográfica.
También tiene una gran importancia el elemento surrealista de sus trabajos enraizado, seguramente en su gran amistad con Salvador Dalí.
Halsman trabajó durante treinta años con Dalí en diversos proyectos en los que el fotógrafo transcribía las ideas del pintor, en el lenguaje de su propio medio artístico


Walker Evans

Imágenes sencillas que prescinden de adjetivos.

Escuetas, concisas, severas, desnudas, sobrias, ásperas, contundentes.

Imágenes vacías para expresar la carencia, la miseria, el dolor, la cruda realidad de las condiciones de vida miserables de una gente que no pierde su dignidad.

Objetos cotidianos que transcienden para convertirse en una metáfora contundente de la existencia.
Nace el 3 de Noviembre de 1903 en St. Louis, Missouri, pero pronto su familia se traslada a Toledo, Ohio, y posteriormente a un barrio de los suburbios de Chicago.
Cuando se separan sus padres se va a vivir a Nueva York, acompañado de su madre.
Todas estas circunstancias acentúan la visión penetrante de la América media que tuvieron algunos artistas, tales como Twain y Faulkner.
Estudió en numerosos colegios, como el Phillips Academy d`Andover, uno de esos colegios de la Costa Este, de disciplina y tradición europea, que probablemente influyó en su visión de la autenticidad americana.

En 1922 viaja a París para seguir sus estudios en la Sorbona, pero con la idea de hacerse escritor y mezclarse con la vida intelectual del París de los años veinte.
Influenciado por poetas franceses del XIX, ve en la fotografía un medio para adaptar la visión de poeta y mostrar meticulosamente la América cotidiana contemporánea.

Comienza en Nueva York (1928), con una cámara de 6 x 12, a hacer sus primeras fotografías. Escenas sencillas y directas de la vida diaria.
Entabló amistad con artistas y escritores y mantuvo contacto con las corrientes progresistas.
Con una cámara de 15 x 20 recorre ciudades de EE.UU, junto a Lincoln Kirstein, un joven intelectual, que tuvo un importante papel en el desarrollo de la vida cultural norteamericana.
En 1932 ilustra The crime of Cuba, de Carleton Beans, una denuncia del régimen de Batista, para lo que hizo una serie de fotografías donde mezclan retratos con detalles arquitectónicos y escenas callejeras.

Entre los años 1935 y 1936, durante 18 meses, trabajó para la Farm Security Administration, un programa trataba de documentar la difícil situación de las comunidad


Alfred Eisenstaedt

El 19 de agosto de 1944, poco después de las 8 de la mañana, las Waffen SS comienzan a abandonar la ciudad de Toulouse. La noticia de que París se ha sublevado induce el repliege de los alemanes. Es la debacle. Se escuchan esporádicos disparos. Jean Dieuzaide, un joven de apenas 23 años de edad, advierte que es el comienzo de la liberación. Toma algunos rollos de película y sale a fotografiar con su Super Ikonta. El pueblo gana las calles. Un grupo desconfía, le apuntan con un revólver en la cabeza y le apoyan el caño de una metralleta en las costillas. La tensión crece, pero aparece providencialmente un oficial de las FFI (Forces françaises de l'interieur) que lo rescata de esa confusa situación. A las cinco de la tarde, Toulouse es libre. Por la noche, revela las películas con treinta y cuatro clichés de aquel primer día de la liberación. Jean Dieuzaide siente que su vocación es la de ser fotoperiodista.

En los años siguientes a la Guerra, trabajó para los más importantes semanarios y periódicos de Francia, adquiriendo un merecido renombre. Con su cámara de 6x6 y un bélinographe (transmisor de telefotos), cubre eventos deportivos -fútbol, rugby, natación- y hechos de actualidad para los diarios, pero también realiza cuidados ensayos que se publican a página entera. En 1947 sorprende por sus fotos submarinas tomadas con un aparato por él diseñado.

En esa misma época comienza el desarrollo de su obra personal al ingresar en el Cercle Photographique des XII, participa en salones y en poco tiempo se convierte en uno de los principales animadores del fotoclubismo francés. Desde el Club des 30x40, que promueve la investigación y hace de la fotografía una forma de constante descubrimiento, hasta el Groupe Libre Expresion que funda en 1950 inspirado por la experiencia Subjektive Photographie de Otto Steinert, Jean Dieuzaide estuvo siempre a la vanguardia con propuestas renovadoras. El paso del fotoclub a la fotografía de autor se produce en él de manera natural.

En 1970, Dieuzaide integró el equipo de la primera edición de Les Rencontres Internationales de la Photographie de Arles, organizado por Lucien Clergue. También estaban Jean-Claude Lemagny, Edouard Boubat, Jean-Maurice Rouquette, entre otros.

El grupo planteaba la incorporación de la fotografía a los museos y una renovación profunda del medio al generar un ámbito de discusión. La llamada banda de Clergue fue vista como una suerte de intelectuales elitistas por los fotoclubes, de donde provinieron las mayores críticas.

Sin embargo, en ese mismo año, Dieuzaide es nombrado por segunda vez presidente de la Comisión Artística de la FIAP (la primera había sido en 1957, año en que obtuvo el título de Excelencia FIAP).

Bajo la fuerza y el impulso de Clergue, los Rencontres fueron, en gran medida una consecuencia de la forma como entendían a la fotografía autoral los miembros de Gens d'Images, 30x 40 y del Groupe Libre Expresion, entre otros.

Pocos meses después, en octubre de ese mismo año, Dieuzaide sufre un accidente automovilístico al dormirse mientras manejaba, que le obliga a guardar reposo durante 5 largos meses. En ese tiempo y durante algunos años, deja de fotografiar y descuida su obra personal.

Pero en 1974 crea la Galerie Municipale du Chàteau d'Eau, en Toulouse, en lo que había sido una antiguo depósito de agua construido en 1822 y, un año después, al finalizar los trabajos de refacción, presenta ahí la primera exposición que es dedicada a Edouard Boubat.

La tarea en beneficio de la fotografía y de su inserción definitiva en la cultura no se detiene con el Chàteau d'Eau. En 1977, cuando la industria da señales de suspender la fabricación del papel baritado para sustituirlo por el RC, inicia una cruzada desde los Rencontres de Arles, generando documentos, polemizando con los representantes de la industria y que termina por obligar a las empresas a mantener aquellas líneas de producción de papel con calidad para museos.

En la década del 80, le propone a Clergue introducir el debate de la enseñanza de la fotografía en Francia que, respecto a Inglaterra, Bélgica, Holanda, Noruega, Italia, Alemania, Suiza y otros países, estaba muy atrasada. En Europa había más de 20 escuelas oficiales de fotografía, en Francia, en cambio, la única que había existido estaba cerrada desde 1973 debido a que la Commision de Securité de la Ville de Paris había declarado "vetusto" al edificio donde funcionaba.

Utilizando como plataforma a los Rencontres, genera un proyecto que habría de ser llevado al Ministerio de la Cultura por Clergue. En 1983, finalmente, es creada la Ecole Nationale de la Photographie en Arles, y llaman a Alain Desvergnes para dirigirla.

Resulta por cierto imposible sintetizar en pocas páginas la dimensión y los alcances de la obra de Jean Dieuzaide.

La presentación en Buenos Aires de su retrospectiva pasa a convertirse por todo ello en un hecho de singular transcendencia que se concreta en el marco de un evento tan especial como es el Festival de la Luz.


Henri Cartier-Bresson nació en 1908 en Chanteloup Francia, en una familia de clase media.
De niño ya se siente atraído por la fotografía.
Realiza estudios de pintura y literatura en Cambridge, pero es en 1931 cuando comienza su andadura como fotógrafo.

En 1932 adquiere su "maravillosa" Leica: el formato de 35 mm llega a sorprenderle y fascinarle.
En aquellos momentos el tamaño de las cámaras y toda la parafernalia que necesariamente rodeaba a la fotografía evitaba uno de los aspectos muy valorados por Henri, que no es otro que la oportunidad y la espontaneidad unido al anonimato del fotógrafo.
Incluso llega a recubrir de negro las partes niqueladas de su cámara para pasar inadvertido.

Se sintió atraído por imágenes de fotografía deportiva publicada en las revistas francesas y alemanas de los años 30.

En la Segunda Guerra Mundial es hecho prisionero por los alemanes, consiguiendo escapar en 1943.
Antes había participado en una película sobre la Guerra Civil Española.
Junto a Robert Capa es cofundador de la agencia Magnum Photos.

Nunca publicó un portfolio, pero sus libros son numerosos.
Es de destacar el publicado en los años 50 titulado Images a la sauvette que es todo un legado y compendio del significado, técnica y utilidad de la fotografía.

A lo largo de seis décadas ha recorrido el mundo y realizado innumerables fotografías.

En uno de sus campos preferidos, el retrato, nos ha dejado todo un rosario de personajes del siglo XX prisioneros para siempre.

La implicaciones sociales de su trabajo son enormes al registrar un mundo humano en su contexto.


Fotógrafo suizo de fama mundial.

La historia de la carrera de Burri es la historia de la segunda mitad del siglo XX, con todos sus conflictos y personajes. Burri ha fotografiado personajes, arquitectura y guerras.

Ha fotografiado el París de Picasso, la España de Franco, la postguerra de Vietnam. Tambíen salío de su cámara la imagen, hoy ya icónica, de un jovencísimo Che Guevara fumando un puro en el Ministerio de Industria de Cuba.

Estudió composición, color y diseño en la Escuela de Artes y Oficios en su ciudad natal. Más tarde, siendo ya fotógrafo, perseveró en sus intereses tempranos en series de collages e integrando escritura, pintura y fotografía.

Entre 1953 y 1955 trabajó realizando documentales y comenzó a utilizar una Leica mientras realizaba el servicio militar. Su primer reportaje fue publicado en Life y en otras revistas europeas.

En 1956, mientras viajaba por Europa y Oriente Próximo para Mágnum, su trabajo en Alemania se publicó en su primer libro con un prefacio de Jean Baudrillard.

En los años sesenta, Burri fotografió a artistas como Picasso, Giacometti y Le Corbusier para Du magazine. Sus fotografías de Che Guevara han dado la vuelta al mundo, y se han convertido en la imagen-icono de la revolución cubana. En los años sesenta y setenta realizó reportajes en zonas de guerra de Vietnam y Camboya, y más tarde Beirut. También realizó reportajes para BBC.


Zurich, Suiza, 1933.

Fotógrafo suizo de fama mundial.

La historia de la carrera de Burri es la historia de la segunda mitad del siglo XX, con todos sus conflictos y personajes. Burri ha fotografiado personajes, arquitectura y guerras.

Ha fotografiado el París de Picasso, la España de Franco, la postguerra de Vietnam. Tambíen salío de su cámara la imagen, hoy ya icónica, de un jovencísimo Che Guevara fumando un puro en el Ministerio de Industria de Cuba.

Estudió composición, color y diseño en la Escuela de Artes y Oficios en su ciudad natal. Más tarde, siendo ya fotógrafo, perseveró en sus intereses tempranos en series de collages e integrando escritura, pintura y fotografía.

Entre 1953 y 1955 trabajó realizando documentales y comenzó a utilizar una Leica mientras realizaba el servicio militar. Su primer reportaje fue publicado en Life y en otras revistas europeas.

En 1956, mientras viajaba por Europa y Oriente Próximo para Mágnum, su trabajo en Alemania se publicó en su primer libro con un prefacio de Jean Baudrillard.

En los años sesenta, Burri fotografió a artistas como Picasso, Giacometti y Le Corbusier para Du magazine. Sus fotografías de Che Guevara han dado la vuelta al mundo, y se han convertido en la imagen-icono de la revolución cubana. En los años sesenta y setenta realizó reportajes en zonas de guerra de Vietnam y Camboya, y más tarde Beirut. También realizó reportajes para BBC.


Gyula Halász (1899), fue conocido a partir de 1921 bajo el seudonimo de Brassai (de "Brasso", su ciudad natal).Llego a la fotografia como autodidacta, estudió Bellas Artes en Budapest y en Berlin. En 1924 se traslado a Paris como periodista y entablo relaciones con el fotógrafo Eugene Atget y Andre Kertész que acompañó con sus fotografias algunos de sus reportajes.

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En 1929, a los treinta años, comenzo a tomar fotografias con una camara prestada. En sus prolongados paseos nocturnos porParis de los años 30 fue que fotografio toda la majestusidad de su arquitectura y su fascinacion por los noctambulos de la ciudad, como ser vagabundos, prostitutas, amantes, bailarinas y otraaas figuras.


En 1937 comenzo a trabajar con Harper's Bazar una revista de modas, al que suministro una voluminosa documentacion fotografioca sobre artistas y hombres de las letras celebres. Ahí es donde conoce a Pablo Picasso quien luego fuera su amigo.


Brassai abandono la fotografía en 1962, desde entnces se ocupo de la reimpresion de sus obras originales y nuevas ediciones de sus libros.









Margaret Bourke-White, nace en Nueva York en 1904. De su padre, fotógrafo aficionado, ingeniero e inventor, hereda el gusto por la fotografía. Éste la apoyará y estimulará a realizar estudios sobre la misma, actitud poco corriente para con una mujer de principios de siglo.

Cursa sus estudios en la universidad de Columbia donde recibe la influencia de Clarence White, maestro consagrado de la lente, en la línea del diseño geometrizante y con tendencias a la abstracción siguiendo el estilo de Arthur Wesley Dow. Todo ello hace que, a diferencia de otras fotógrafas contemporáneas cuya obra queda acotada a los motivos domésticos o al retrato, Margaret Bourke-White se encamine en la línea de la fotografía industrial, convirtiéndose en pionera en esta rama. Iniciará su carrera profesional en las fundiciones de Cleveland (Ohio).

Contrae matrimonio por vez primera a la edad de 18 años y ello le supone un paréntesis en su carrera ya que deja todo para volcarse en la vida familiar y no será hasta el año 1927, cuando se separe, que retome todas sus actividades y prosiga sus estudios, pasando por cinco universidades, llegando incluso a graduarse en Herpetología (reptiles).

En 1929 es contratada por Henry Luce para la revista “Fortune”, en la que trabajaría hasta 1936. Su labor consiste en la documentación de plantas industriales de embalaje en Chicago y de producciones de vidrio de Nueva York. Allí conoce al que será su segundo marido, el escritor Erskine Caldwell del que también se divorciaría en 1942.

En 1935, cuando Henry Luce funda la revista “Life”, otra de las más prestigiosas de su tiempo, Margaret, realiza la portada y el principal reportaje del primer número, pasando a formar parte del equipo permanente de dicha publicación.

Se convertirá en la primera reportera gráfica acreditada por la armada estadounidense cuyo objetivo fue testigo de las imágenes estremecedoras de los campos nazis de exterminio, en el momento de su liberación por los aliados durante la II Guerra Mundial. Ese documento quedaría plasmado para la posteridad en su obra “The Living Dead of Buchenwald”.


Igualmente impactantes serían sus trabajos sobre las víctimas de las inundaciones en 1937 en Louisville (Kentucky) y sobre los años de la Depresión en Estados Unidos, que publicaría en “You Have Seen Their Faces” (1939), mostrando el carácter subversivo y la fuerza del lenguaje visual.


En pleno auge del fotoperiodismo, será también la primera reportera del “otro” bloque (del oeste) en la década de los treinta que pueda entrar en la Unión Soviética.


Mujer decidida donde las haya que, cámara al hombro, no se amilana y se adentra en el corazón de los conflictos, cubriendo entre 1949 y 1953, el “apartheid” en Africa y la guerra con Corea, las luchas de liberación de los hindúes, -son famosos sus reportajes sobre Gandhi-, y las paupérrimas condiciones de vida de los mineros negros en Sudáfrica.

En 1953 empieza a sentir los primeros síntomas de Parkinson aunque su vitalidad y autodisciplina le hacen continuar trabajando hasta el final de sus días.


En 1971 fallece en Connetica a la edad de 67 años.




Cecil Beaton, retrata Rolling Stones

Cecil Beaton nació en Londres en 1904. Debido a sus grandes dotes conquista la fama a nivel mundial, como Fotógrafo y diseñador británico.

En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una Kodak 3A de fuelle. Fue guiado por Alice Collard quien le enseñó las técnicas del revelado y fijado.

En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands. Durante varios años después, reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, en 1926 empieza a dedicarse exclusivamente a la fotografía.
En 1929 se queda en New York, trabajando desde el estudio para la firma Vogue.

Hacia 1930 regresa con un gran triunfo a Londres donde escribe su primer libro "El libro de la belleza". Viaja hasta Hollywood donde gracias a su ingenio y aprovechando la deslumbrante luz de California y sus pintorescos claroscuros realiza una serie de retratos a grandes personajes, tales como; Gary Cooper, Johnny Weissmuller, Dolores del Rió.

Desde sus viajes por Rusia, África, España y México, retrata a Henry Ford, Salvador Dalí y su esposa Gala, Picasso, Rolling Stones, entre otros.
Murió el 18 de enero de 1980.


Reputado fotógrafo de moda y gran retratista comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando esplendidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.


Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quién se casaría cumplido los 18 años. En los años cuarenta, los Arbus se dedicaron a la fotografía de moda en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaa. Entre 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austriaca Lisette Model, ejerciendo una gran influencia en el camino que más tarde tomaría. En esta época se divorcia de Allan, independizándose en su trabajo. La década del sesenta fueron sus años más productivos. Recorría los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrataría, en su mayoría enanos, playas nudistas, prostitutas, entre otros. La exposición que la dio a conocer al público mayoritario fue "New sensations" en 1967. Continuaba trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West, Jorge Luis Borges. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo fue seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organizó su primera gran retrospectiva.

Thursday, October 26, 2006


El Baño, el tema escogido es el baño chileno, ese lugar donde los tipos meten de todo en un minimo espacio, ese lugar de u caracter rococo en el cual se encuentra de todo como en el caso lavadora, tabla de planchar etc y ademas son lugubres, su iluminacion es lo que menos le interesa a la familia.


tiempo 1/60 s
f 2.6
d 5.8mm

la iluminacion fue la natural del baño la hora es la 23;00 y la fecha 11/10/2006

Thursday, October 12, 2006




fotos tomadas en parque de las esculturas a las mismas para hacer una postal, la idea a representar es las distintas miradas que puede tener una obra de arte.




ahora si salieron las fotos de la entrada anterior

IDEAS es un actor de la sociedad civil comprometido con la ciudadanización de la democracia, que impulsa movimientos ciudadanos participativos y de-liberativos, una cultura de la tolerancia y la no-discriminación y una reflexión crítica, para avanzar hacia una sociedad pluralista, solidaria y con conciencia política de sus derechos

De esto sacamos como concepto la sociedad pluralista, tolerancia y no discriminación.

Locación: la locación para el siguiente trabajo serán las oficinas donde están ubicadas las oficinas de esta ONG Almirante Riveros 33, Providencia, acá realizaremos distintas tomas enfocándonos en mostrar la calidez con que acá se trabaja, el desapego a las normas y su búsqueda de tolerancia y no discriminación

Tipo de Iluminación: tendremos una iluminación artificial, ya que las tomas serán en su mayoría en el interior de las oficinas, por ende por lo general tendremos la iluminante arriba de la toma.

Tiempo: los tiempos de serán variables, buscando una toma que sea natural, para mostrar de esta manera la naturalidad y la falta de normas formales de trabajo.

Modelo: los modelos serán los distintos empleados de la fundación

Vestuario: acá se imprimirá un sello distinto, al carecer de ciertas reglas formales será el tema vestuario el habitual para ellos es decir su ropa de calle no uniforme.

Maquillaje: acá como el anterior se buscara resaltar la naturalidad de las cosas es decir el maquillaje debe ser el habitual para las mujeres que usen para realizar su labor y en cirscuntancias extraordinarias se aplicaría maquillaje para así realizar una mejor toma por el tema de los brillos de la cara.

Ambientación: las tomas al ser realizadas como dijimos antes dentro de las oficinas la ambientación mostrara las distintas estaciones de trabajo las cuales deberán mostrar los conceptos antes nombrados.

En lo referente a la toma misma usaremos una maquina Canon PowerShop A540
Y como lo que nos interesa es mostrar la rapidez y apasionamiento con que se trabaja debido a sus conceptos desprendemos esto que serán en su mayoría fotos con proridad de apertura del diafragma para poder captar la luz ya que es escasa en este edificio.


Integrantes:
Mª Soledad Serrano
Roberto Cañas
Sebastián Rathkamp

Tuesday, August 29, 2006

Con las siguientes palabras quiero demostrar el significado de la belleza en este caso la belleza de mi mama, la cual se extiende mas alla del plano fisico y nos entrega una belleza como persona madre y amiga.

"Madre: la palabra más bella pronunciada por el ser humano,
Tus brazos siempre se abren cuando necesito un abrazo. Tu corazón sabe comprender cuándo necesito una amiga. Tus ojos sensibles se endurecen cuando necesito una lección. Tu fuerza y tu amor me han dirigido por la vida y me han dado las alas que necesitaba para volar.
Un hombre quiere a su amor más que a nadie, a su esposa mejor que a nadie, pero a su madre más tiempo que a nadie."